Weiter zu anderen Beats:

Das Wesen von Rhythmus, weltweiter Hip Hop und das Computerspiel HeavenSeven11

von Parangari Cutiri, auch bekannt als Anne-Marie Schleiner

Rhythmus und Anti-Rhythmus

Ich bezeichne jede Form von wiederholten Sequenzen von auditiven Beats, Noten, Geräuschen, Bewegungen und visuellen Effekten als Rhythmus. Parangari Cutiri (auch bekannt als Anne-Marie Schleiner, Anm. d. Autorin) scheut den Rhythmus nicht. Allerdings hat die experimentelle Musik im vergangenen halben Jahrhundert die so genannte ernste Musik verdrängt (auch wenn die American Academy, der Musikethnologie folgend, exotische Percussion-Instrumente wie das Gamelan lehrt). Seit dem Zweiten Weltkrieg assoziieren europäische Musiker Rhythmus mit faschistischer Militär-Marschmusik, mit einem hirnlosem Mob voller gleichförmiger Körper, eins werdend mit einer hirnlosen Masse. (Daniel Hjorth) (Diese Position kann man vergleichen mit der Reaktion von Kunstkritikern aus der Frankfurter Schule, wie z.B. Theodor W. Adorno, auf den Zweiten Weltkrieg.)

In der Fortführung dieser Logik verleitet auch die Pop-Musik geistlose Körper mit ihren wackelnden Köpfen dazu, sich nach einem anderen zwanghaften Beat hin und her zu bewegen, den Rhythmen und Melodien von Radio- und MTV-Hits folgend, die sich durch die ständige Wiederholung im Hirn eingebrannt haben, unterbrochen von wiederholender Werbung und eingängigen Werbe-Jingles. Die globale Disco der Konsumenten des Kapitalismus infiltriert jedes Heim, jedes Auto. Dieses Orwellsche Szenario gibt genau die von Marshall McLuhan konstatierte Rückkehr in das finstere Mittelalter wieder, einen Rückzug aus der vernünftigen analytischen Distanz des aus der Gutenberg-Galaxie stammenden gedruckten Wortes (obwohl die Gutenberg-Galaxie das gedruckte Wort und das Gesetz dazu einsetzte, das koloniale und merkantile System zu unterstützen, was wiederum die Grundlage bildete für die derzeitige vorherrschende Phase des Kapitalismus - Foucault via Kittler, „Grammophon, Film, Schreibmaschine").

John Cages Studien des Buddhismus und der Kunst des Dada sowie seine Freundschaft mit Duchamp beeinflussten seine Musikkompositionen, die auf die Geräusche hört, die während der sogenannten „Stille" empfunden werden können, unbemerkte Beats des durch das Herz fließenden Blutes und des konstanten Kommen und Gehens des eigenen Atems. Ein Insekt, mit der Lebensdauer von einem Tag, das mit seinen Flügeln in einem für das menschliche Ohr nicht wahrnehmbaren Hochfrequenz-Bereich schlägt. Schnellstrassenverkehr, gleichmäßig aufwallend und abebbend wie die Gezeiten. Eine CD, die in einem unregelmäßigem Rhythmus springt, was durch den zufälligen Kratzer, der durch ein auf der Oberfläche klebende Essensteilchen entstanden ist, verursacht wurde.

Head not kontra Body music

Blut-Beats und Insekten-Beats und Maschinen-Beats und Musik-Beats, die aus miteinander verbundenen vibrierenden „autopoetischen" Körpermassen/systemen auftauchen, mit verschiedenen Köpfen zu verschiedenen Tempi irgendwo tanzend. Ungeachtet des selbstgewählten Rhythmus' für Militär- oder Werbeclip-Musik, bewegen sich Köpfe zu anderen Beats, oder die Beats lösen entgegengesetzte Effekte unter Wesen mit resistentem/anderem Potential aus. Obwohl sie teils absichtlich von anderen Stammesmitgliedern, die die gleiche Sprache sprechen, getrennt wurden, sangen afrikanische Sklaven in Amerika während der Arbeit monotone Gesänge mit sich wiederholenden Rhythmen. Diese Lieder enthielten manchmal geheime Informationen über die „Untergrund-Eisenbahn", bestehend aus sicheren Häusern, Flüsse, und Straßen, mit Hilfe derer man im Norden die Freiheit erlangen konnte.

(Sie ähneln darin vielleicht den Liedern der in Ketten liegenden amerikanischen Gefangenen, die später vor allem von afroamerikanischen Gefangenen gesungen wurden - was auf dem ersten Stück des Soundtracks zu dem Film „O Brother Where Art Thou" zu hören ist). Für diese Sklaven fungierte Rhythmus als ein Übertragungsmedium verschlüsselter Nachrichten. In einer Sequenz der Dokumentation von Bill Moyer über die Geschichte der englischen Sprache verfolgen Sprachhistoriker die Ursprünge der Rap-Lyrik bis hin zur Sprachkunst des „Predigers" und sogar noch weiter bis zu den Sprachtraditionen vieler afrikanischer Stämme zurück. Der Status des Manipulators von Sprache und Rhythmus war bzw. ist sehr hoch in Afro-Amerika.

Der in London lebende Kodwo Eshun lehnt in seinen Schriften und Interviews den Unterschied zwischen Seele (schwarz) und Technologie (weiß) - und zudem die landläufige rassistische Analogie von Körper kontra Intellekt - ab. Er wendet im Hinblick auf Donna Haraways Ablehnung des feministischen Cyborgs, der aus einer weiblichen Seele und einer männlichen Maschine besteht, eine ähnliche Strategie an. Übereinstimend mit den „afro-futuristischen" Science-Fiction-Autoren, beschreibt er eine symbiotische Beziehung zwischen „schwarzer Musik" und Technologie. Die Songs von Grandmaster Flash (dem aus New York stammenden Erfinder des Scratching), Sun Ra und Dub-Reggae waren „Erforschungen" zukünftiger Musik und technischer Innovationen. Scratching ist nicht nur eine andere Form von Rhythmus, es ist eine Art Morphing, das auf innovative Art und Weise transformative digitale Spezial-Effekte im Film vorweg nimmt, die später mit Computern entwickelt wurden:

"Scratching ist eher eine Transformations-Sequenz, mehr wie die Audio-Parallele zu „The Thing", „American Werewolf" oder „Altered States", in der man sieht, wie sich ein Mensch in einen Werwolf verwandelt. Kurz bevor er sich ganz in einen Werwolf verwandelt, erhascht man plötzlich die Andeutung eines Menschen, dann ist sie wieder weg."

In seinem Buch „Grammophon, Film, Schreibmaschine" bezeichnet der deutsche Medien-Historiker Friedrich Kittler, mit anscheinender Verachtung für populäre Musik, (trotz meiner persönlichen Beobachtung von seiner Liebe zur Gitarre) das Scratching von New Yorks DJs herabwertend als „gewöhnlich und alltäglich". Aber in seiner Arbeit zu Edisons Erfindung des Grammophons (das zu Anfang in der Lage war, sowohl die Linien neuer Geräusche aufzunehmen als auch sie wiederzugeben) entwirft er ein nützliches Akronym, TAM - für Time Access Manipulation (Manipulation des zeitlichen Zugangs). Er schreibt über die Umkehrung des zeitlichen Zugangs: „Die umgekehrte Zeit-Achse, die der Phonograph ermöglicht, erlaubt den Ohren das Ungehörte zu hören: der unmittelbare Angriff instrumenteller oder stimmlicher Geräusche bewegt sich ans Ende, während die viel längeren Verzögerungen nach vorn ziehen."

Missy Elliots Hit „Work It" aus dem Jahr 2002 besteht aus einem Hip-Hop-Gesang, der sich die TAM- Techniken, vom Plattenteller zurück zur Stimme, zu eigen macht. Das Lied ist eine kannibalistische Feedback-Schleife zwischen Stimme, technologisch manipulierter Stimme und wieder der Original-Stimme. Missy E singt rückwärts und hackt Worte ab, um einen Stil zu erzeugen, der analoge und digitale TAM imitiert:

„Put your ting down flip it and reverse it. Mee nye mip nyim mip nyip"

„Leg dein Ding auf, dreh es um und spiel es noch mal. Mee nye mip nyim mip nyip"

Hip Hop und das weltweite Ghetto

Der allseits bekannte Ursprung des Hip Hop in den 1970ern und 1980er Jahren liegt in den Strassen der schwarz amerikanischen Ghettos (Hip Hop besteht nicht nur aus Beats und Reimen, sondern auch aus Breakdance und Graffiti). Frühe Gruppen wie N.W.A. (Niggaz with Attitude) und Public Enemy verwendeten ihre Texte um sich gegen rassistische Polizisten, rassistische Stereotypen in Hollywood und in den amerikanischen Medien zu wehren. Sie rappten über die immer schlimmer werdenden Verhältnisse in den Innenstädten, die von Armut und sozialer Ungerechtigkeit geprägt waren. Später sprechen kommerziellere und apolitische „Gangster Rapper" die problematischen und feindseligen Umstände an, denen Afro-Amerikaner ausgesetzt sind.

Teardrops and closed caskets, the three strikes law is drastic

And certain death for us ghetto bastards

What can we do when we're arrested, but open fire

Life in the pen ain't for me, cause I'd rather die

But don't cry through your despair

I wonder if the Lord still cares, for us niggaz on welfare

2 Pac, „My Bloc", 1995

Tränen und geschlossene Särge, das Drei-Vergehen-Gesetz ist drastisch

und der sichere Tod für uns Ghetto-Bastarde

Was können wir anderes tun, als das Feuer zu eröffnen, wenn wir verhaftet werden

Das Leben im Knast ist nichts für mich, lieber sterbe ich

Aber weine nicht in Deiner Verzweiflung

Ich frage mich, ob Gott sich überhaupt für uns Nigger auf Stütze interessiert

2 Pac, „My Bloc", 1995

Hip Hop hat sich auf andere Ghettos in der Welt ausgebreitet, bis hin zu den Ghettos in Senegal und anderen ehemaligen französischen Kolonien in Afrika, und von da aus nach Marseilles, in die Strassen von Kolumbien, nach Kuba und Brasilien. Hip Hop ist eine starke Stimme für viele arme, marginalisierte, frustierte, junge Leuten geworden. Globale Hip Hop-Künstler fangen bei den einfachen Grundlagen aus Stimme und handgemachten Beats an, wenn die teureren Produktionsmittel nicht zugänglich sind. Hip Hop hat sich ebenfalls in andere (nicht schwarze) Ghettos in den USA geschlichen. In San Jose in Kalifornien treffen sich aus Mexiko und aus Asien stammende amerikanische Jugendliche in einem Latino-Gemeindezentrum in der Innenstadt, um „Spoken Word/Open Mic (gesprochenes Wort/offenes Mikrophon)"-Sessions und Breakdance-Treffen abzuhalten.

Deutsche Gangstas und die Macht/Privilegien-Unbehaglichkeitszone

"I'm the worst thing since Elvis Presley to do black music so selfishly and get myself wealthy" Eminem

"Ich bin das Schlimmste was schwarzer Musik seit Elvis Presley passieren konnte, so egoistisch und mich reich machend" Eminem

Indem er sich ironischerweise mit dem großen weißen Dieb schwarzer Musik in eine Reihe stellt, erkennt der berühmt-berüchtigste weiße Hip Hopper öffentlich an, was er Dr. Dre (der früher Mitglied bei N.W.A. war) schuldet. Dieser produzierte einige seiner Songs und verhalf ihm zum großen Durchbruch, der ihm Ruhm und Reichtum eingebracht hat. In Stuttgart, der Heimat von Mercedes Benz und derzeit eine der reichsten Städte Deutschlands, ist in den letzten zehn Jahren eine Hip Hop-Szene entstanden, die einige der berühmtesten deutschen Hip Hop-Bands hervorgebracht hat, wie z.B. Die Fantastischen Vier, Massive Töne und Freundeskreis. Auf den Sitzen der (Mercedes-)Busse in Stuttgart habe ich mehr 2 Pac-Graffitis gesehen als irgendwo sonst.

Ich möchte hier kein geschicktes Manöver ausführen, das das Unbehagen weg zu diskutieren versucht, welches Parangari Cutiri, ein/e weiße/r amerikanische/r Autor/in, Empfänger/in einer privilegierten Universitätsausbildung und Programmierer/in von einem Hip Hop-Spiel, empfindet. Sie/er kreierte dieses Spiel in einem Barock-Palast auf dem schwäbischen Land, unterstützt von einem Künstler-Stipendium. Musik und Kunst können/sollten nicht innerhalb ihrer Ursprünge in festen kulturellen Gruppen eingekerkert sein (musikalische Stile innerhalb einer bestimmten ethnischen Gruppe einzusperren wäre auch eine Art von Rassismus). Aber wenn sie aus diesen Grenzen herausmutieren, sollte bei den „Dieben" dieser komplexen Kräftespiele, die etwas mit dieser Vereinnahmung zu tun haben, das Bewusstsein dessen (und mehr) vorhanden sein. Ich fand auf der Liste von „Empire" eine Information über ein Netzkunstwerk namens „Neger zu mieten." Dieser ist sehr von Nutzen, um in etwas fließenderer, später foucaultscher, (aber nicht unartwörtlicher) Art und Weise über Rassenbeziehungen nachdenken zu können. Danny Butt schreibt: „Wir sind immer weiß, braun, schwarz, männlich, weiblich, reich, arm, gebildet *im Verhältnis* zu einer anderen Person. Der Unterschied beziehungsweise die Gemeinsamkeit erzeugt ein Kräftespiel." Danny Butt vertritt die Meinung, dass das Reden über Rassismus in zu weit gefassten Gattungsbegriffen die individuelle Verantwortung eliminiert:

„Der rhetorische Schritt, den er (ein anderer Beitrag von der „Empire"-Liste) hier macht, ist meiner Meinung nach das eigentliche ‚Problem:' das Verschieben der Diskussion über bestimmte Kräfteverhältnisse (wie z.B. zwischen Weißen und Negern) hin zu abstrakten ‚universellen' Phänomenen (wie etwa ‚Rassismus'). Dies ist ein Versuch, uns als Individuen aus der Beziehung herauszuziehen: Indem wir einen Ort zu suchen, an dem wir *nicht über Rassenzugehörigkeit nachdenken müssen*, weil wir an seinem Kräfteverhältnis nicht Schuld sind, ‚vereinfachen' wir nicht, ‚unterdrücken' wir nicht beziehungsweise tun keine schlimmen rassistischen Dinge...."

Subject: (-Empyre-) race, net-art, strategy

Empire Danny http://www.dannybutt.net

Die aus Stuttgart kommende (und multi-ethnische) Hip Hop-Gruppe Freundeskreis hatte sich selbst mit ihrem 1997 erschienenen Song „Leg dein Ohr auf die Schiene der Geschichte" in das aus dem Kräfteverhältnis zwischen Nationalitäten und ethnischen Gruppen bestehende Nest gesetzt. Ihre Texte vergleichen tragische Vorfälle in verschiedenen Teilen der Welt miteinander, die mit ähnlichen, weniger tragischen Geschehnissen in Deutschland chronologisch zusammenfallen.

1973

Meine Mutter presste, gebar und liebt mich

Trägt mich an der Brust, stillt und wiegt mich, indes 'ne

Mutter mit Sohn in Kambodscha den Schuss zu spät sah

Er war wie ich jetzt dreiundzwanzig

Die Gruppe French Connection ist ein Beispiel für deutsche Hip Hopper, die den Dialog mit „Anderen" suchen. Produziert vom berühmten Stuttgarter Hip Hop-Label „0711" (die Vorwahl von Stuttgart und seit vielen Jahren der Name eines Tanz-Clubs), bringt die French Connection bei jedem Song der CD einen deutschen Hip Hop-Künstler und einen französischen zusammen, die sich am Mikrophon abwechseln. Was bei der CD auffällt, ist, dass die „französischen" Hip Hopper einen Vokal-Stil besitzen, der eindeutig „afrikanisch" ist (von ehemaligen französischen Kolonien beziehungsweise französisch-afrikanischen Subkulturen in Frankreich herstammend), wohingegen die deutschen Hip Hopper fast alle weiß sind und einen, nun ja, deutschen beziehungsweise Stuttgarter Stil haben (natürlich hat der gesamte Hip Hop, allein schon durch seinen Ursprung bedingt, einen bestimmten amerikanischen Touch). Ein anderes interessantes Beispiel für deutschen Hip Hop sind die aus Berlin stammenden Puppet Mastaz. Die Puppet Mastaz treten live nur als anthropomorphe Sesam-Straßen-Puppen auf, so dass ihre sonst deutlich zu erkennende ethnische Abstammung weitestgehend versteckt bleibt, obwohl sie (auf Deutsch) leicht karribisch klingen.

Parangari Cutiri, eine abgedrehte Bee (Yotch) und ihr gemeinschaftliches Hip Hop-Spiel

Hier begebe ich mich wissentlich, das Subjekt, in eine komplexe Unwohlseins-Zone, die - zusätzlich zu dem Kräftespiel zwischen schwarz, weiß, braun, europäisch, nicht-europäisch - den Eintritt einer Frau in die chauvinistisch-aggressive, von Männern dominierte Arena des Hip Hop beinhaltet. Obwohl Frauen- und Schwulenhass (Zitat Elke Marhöfer) uberflüssig,, aber auch in die Texten begabter Rappers auftauchen, hindert das Parangari Cutiri nicht Momente aus diesem, von Aggressivität und von Männern dominierten, Bereich Hip Hop, (sowie Computerspiele und Hacking), zu stehlen, und diese Agressivität für ihre eigenen Zwecke zu nutzten. Meine Künstler-Persönlichkeit (eine aus meiner Sammlung an Rollen, in die ich schlüpfe) Parangari Cutiri mag es, aggressive Kunst zu machen. Sie stellte ein Modell eines Computer-Spiels her, das einen Virus enthält, der bei dem Spieler epileptische Anfälle auslöst. Ihr nächstes Projekt Jingle Virus war ein digitales Musik-Instrument, das die Portale firmeneigner Server angewählt hat, wenn es gespielt wurde, was ein allgemein üblicher Einstieg für das Hacken ist.

HeavenSeven11 bewegt sich irgendwo zwischen DJ/VJ-Software und einem interaktiven Computer-Spiel und ist nicht für privates Spielen am Computer zu Hause gedacht; es ist auch kein ein Online-Spiel und keine Netz-Kunst. Es ist dazu gedacht, um live mit Publikum in einem Raum vorgeführt zu werden (beziehungsweise nur insofern live, wie es mit einem Publikum bei einem Spiel in einer Spielhalle möglich ist). Während der Spieler darauf beschränkt ist, mit den Texten, die auf dem Schirm zu lesen sind, zu reimen, hat er die Möglichkeit, mit der Auswahl an Wortendungen zu spielen, die ursprüngliche Bedeutung zu ändern, was manchmal unbeabsichtigt geschieht, wenn das gewünschte Wort zu schnell vorbeizieht. In gewisser Weise ist das Spiel eine Dada-Hip Hop-Poesie-Erzeugungsmaschine. Während der Pausen kann der Spieler die Beats ändern, Beats rückwärts spielen und sie/er kann jederzeit „scratchen." Auf jedem Level des Spiels (Bogotá, Stuttgart, Paris, und Los Angeles), spielt erst ein Spieler, dann der zweite denselben Song, was eine Art kreativen Remix beziehungsweise eine andere Version desselben Materials von zwei Spielern/DJs ermöglicht. Die Spieler können das Punktesystem ganz außer Acht lassen und die Spiel-Sounds und die korrespondierenden visuellen Muster als reine DJ/VJ-Software spielen (mathematische Wellen-Algorithmen, die von Parangari Cutiri programmiert wurden).

HeavenSeven11 ist eine internationale Zusammenarbeit zwischen Parangari Cutiri und anderen Künstlern, darunter Elke Marhöfer M.C. Bala a.k.a. Carolina Caycedo und Lapeg a.k.a Peggy Pierrot, die dazu eingeladen wurden, Texte zu schreiben, zu rappen oder Beats und Samples zu machen. Der erste Song, in Englisch, geschrieben von Parangari Cutiri, spricht die Luftblasen-Mentalität der Amerikaner an, die in einer isolierten Supermacht wohnen, abgeschnitten von den Auswirkungen der eigenen Außenpolitik und den jüngsten militärischen Interventionen, die sie als Reaktion auf den 11. September initiiert haben. „Perdida", ein spanischer Song von Carolina Caycedo, erzählt von den schwierigen alltäglichen Lebensbedingungen in den Strassen von Bogotá in Kolumbien, gefiltert durch die bittersüßen Erinnerungen einer Emigrantin. Das „Stuttgart" benannte Level von Elke Marhöfer (in Deutsch) kritisiert die gegen den Krieg Protestierenden dafür, nicht weit genug gegangen zu sein, um dem globalen kapitalistischen System effektiv entgegen zu treten. Das Level Paris ist aggressiv und kühn, es bespricht historische Strassendemonstrationen in Paris und benutzt „pro-pubis" gegen heterosexistische Wortspiele.